कला के विभिन्न रूपों में अतिसूक्ष्मवाद की शैली प्रकट होती है: चित्रकला, संगीत और साहित्य। यह XX सदी के 60 के दशक में उत्पन्न हुआ और अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की प्रतिक्रिया के रूप में अस्तित्व में आया। अतिसूक्ष्मवादियों ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की अभिव्यंजक विशेषताओं से दूर जाने की कोशिश की, क्योंकि वे कला के सार को कम करते हुए इन कार्यों को बहुत धूमधाम से मानते थे। इसके विपरीत, न्यूनतावादी शैली के कलाकारों ने सरल रेखाओं और आकृतियों से चित्र बनाने का प्रयास किया। न्यूनतमवाद को देखने वाले की आंखों के माध्यम से कार्यों की व्याख्या की विशेषता है। विशेष रूप से इस कलाकृति के लिए सभी जटिल वस्तुओं, आत्म-अभिव्यक्ति के साधन, आत्मकथाएँ और सामाजिक कार्यक्रम हटा दिए जाते हैं। दर्शक को चित्र को वैसे ही देखना चाहिए जैसे वह वास्तव में है: कुंवारी सुंदरता और ईमानदारी से भरा हुआ।
बुनियादी तत्वों पर जोर देने के कारण, अतिसूक्ष्मवाद की शैली को एबीसी कला के रूप में जाना जाता था। सबसे प्रमुख अतिसूक्ष्मवादियों में से अधिकांश मूर्तिकार थे, लेकिन भूमि कला में अतिसूक्ष्मवाद भी प्रचलित था, जो कि परिदृश्य के रूप में कला बनाने के उद्देश्य से शैली की एक शाखा है, जो अनिवार्य रूप से परिदृश्य डिजाइन की एक शाखा है।
न्यूनतावाद भी प्रकाश और अंतरिक्ष की गति पर केंद्रित है, लेकिन इस शैली के कई कलाकार अपने कार्यों में शून्यता को चित्रित करने का प्रयास करते हैं।
यह माना जाता था कि अतिसूक्ष्मवाद की उत्पत्ति एशिया में हुई थी। कई पश्चिमी कलाकारों के काम के लिए, जैसा कि एग्नेस मार्टिन द्वारा उदाहरण दिया गया है, ज़ेन बौद्ध धर्म का बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा है। न्यूनतम कलाकारों का विशाल समूह हिंदू धर्मग्रंथों से उधार ली गई "शून्यता" की अवधारणा से प्रभावित था। मोनो-हा एशिया में सबसे बड़े न्यूनतम आंदोलनों में से एक था। यह जापान का पहला अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त समकालीन कला आंदोलन था। मोनो-हा, जिसे "स्कूल ऑफ थिंग्स" के रूप में भी जाना जाता है, XX सदी के 60 के दशक के मध्य में उत्पन्न हुआ, और फिर एक अभिनव कला आंदोलन बन गया। इस समूह का नेतृत्व ली उफांग और नोबुओ सेकिन ने किया था। यह एकमात्र ऐसा संघ था जिसने अपनी गतिविधियों को "गैर-रचनात्मकता" गतिविधियों के रूप में स्थान दिया। ऐसे समूहों ने प्रतिनिधित्व के पारंपरिक विचारों को खारिज कर दिया। उनकी इच्छा अतिसूक्ष्मवाद की पश्चिमी प्रवृत्ति के समान सामग्री और उनके गुणों के साथ बातचीत करके दुनिया को प्रकट करने की थी।
हम इस शैली से संबंधित पर जोर देते हुए, न्यूनतम कला के सबसे प्रसिद्ध कार्यों को देखने की पेशकश करते हैं। आपको चित्रों और मूर्तियों के साथ भी प्रस्तुत किया जाएगा जो सामान्य रूप से कला के बारे में पारंपरिक विचारों को नष्ट कर देते हैं, क्योंकि उन्होंने उनके बीच के मतभेदों को मिटा दिया है।
फ्रैंक स्टेला "बैनर आसमान की ओर!" (1995)
एक चित्रकार, मूर्तिकार और प्रिंटमेकर के रूप में फ्रैंक स्टेला को आज के सबसे प्रभावशाली अमेरिकी कलाकारों में से एक माना जाता है। धारियों से भरे उनके चित्रों के साथ-साथ भव्य प्रिंटों ने न केवल अतिसूक्ष्मवाद की दुनिया में क्रांति ला दी, बल्कि अमूर्तता भी। लेखक ने नोट किया कि उनके काम पर सबसे बड़ा प्रभाव अमूर्त कलाकारों पोलक और क्लेन द्वारा प्रदान किया गया था। लेकिन भाग्य की इच्छा से, फ्रैंक स्टेला अतिसूक्ष्मवाद के संस्थापक पिताओं में से एक बन गए।
"बैनर ऊपर!" नाजियों के मार्चिंग गीत के नाम पर, लेकिन तस्वीर के नाम को छोड़कर सब कुछ कोई अर्थ नहीं लेता है। यह कार्य स्टेला के काले कार्यों के एक बड़े चक्र का हिस्सा है। चित्र में स्पष्ट रूप से दिखाई देने वाली प्रकाश रेखाएं, चौड़ी काली धारियों के बीच केवल एक अनुपचारित कैनवास है। अमूर्त आंदोलन को चुनौती देने के लिए यह मोनोक्रोम काम सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक है।
रॉबर्ट मॉरिस, अनटाइटल्ड (मिरर क्यूब्स) (1965/71)
रॉबर्ट मॉरिस द्वारा "अनटाइटल्ड (मिरर क्यूब्स)" ने उन्हें न केवल न्यूनतम शैली के निर्माता के रूप में, बल्कि एक वैचारिक के रूप में भी प्रकट किया। लेखक को प्लाईवुड से बने बड़े भूरे रंग के बक्से मिले और एक बैले कंपनी के साथ प्रदर्शन करते समय सजावट के रूप में इस्तेमाल किया गया। अपने काम में, उन्होंने इन बक्सों को दर्पणों से ढक दिया, जिससे धारणा का तरीका बदल गया, सरल ग्रे क्यूब्स में नए दृश्य गुण जुड़ गए। रचना का उद्देश्य वस्तु के साथ दर्शक की सीधी बातचीत है: प्रतिबिंबित क्यूब्स के बीच चलते हुए, दर्शक अनजाने में खुद से टकराते हैं और अपने विचारों के साथ अकेले रहते हैं, लेकिन सभी के साथ अकेले रहते हैं। खोज के कार्य से कला के काम की प्रशंसा करने का कार्य अचानक बाधित हो जाता है। यह इस आधार पर है कि गैलरी स्थान का "आक्रमण" होता है। व्यक्ति दृश्य से परे कला की उपस्थिति को महसूस करने लगता है।
एग्नेस मार्टिन, बैक टू द वर्ल्ड (1997)
एग्नेस मार्टिन ने चित्रों को चित्रित किया जो किसी भी तरह से वस्तुओं को चित्रित नहीं करते थे, फिर भी उनके नामों ने प्रकृति के मजबूत आकर्षण पर जोर दिया। मार्टिन के काम को एक ग्रिड द्वारा पहचाना गया जो अतिसूक्ष्मवाद और रंग योजना को जोड़ती है। कैनवास के स्थान को व्यवस्थित करने के लिए ग्रिड का उपयोग किया गया था। उसने सूक्ष्म रंग योजनाओं में सुखदायक कार्यों की एक अंतहीन विविधता बनाने में मदद की है।
ज़ेन बौद्ध धर्म और ताओवाद से अत्यधिक प्रभावित, मार्टिन अपने अधिकांश जीवन के लिए दुनिया से बहुत अलग रही है, यहाँ तक कि न्यू मैक्सिको में भी रह रही है। 40 साल की उम्र में, उन्हें सिज़ोफ्रेनिया का पता चला था। "बैक टू द वर्ल्ड" उनके जीवन के 9वें दशक में लिखी गई थी। उस समय वह नर्सिंग होम में थी। नीले, आड़ू और पीले रंग की धारियों ने अभी भी भ्रष्टाचार से भरी दुनिया में कला की विशिष्टता पर जोर देना जारी रखा है, इसलिए उन्होंने अपने कैनवस के आकार को कम कर दिया ताकि उनके साथ कम कठिनाई हो।
एल्सवर्थ केली, रेड, येलो, ब्लू II (1953)
द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान सेवा का एल्सवर्थ केली पर स्पष्ट प्रभाव पड़ा। एक तरह से इसे प्रकृति और वास्तुकला के अवलोकन के रूप में इस्तेमाल किया गया और फिर इसे व्यवहार में लागू किया गया। लेखक द्वारा अमूर्तता का सावधानीपूर्वक अध्ययन और उसके कार्यों में इसके अनुप्रयोग ने अतिसूक्ष्मवाद विकसित किया। चित्रों की श्रृंखला "रेड, येलो, ब्लू" ने पेंटिंग के तरीके को प्रभावित किया। जैसे ही केली ने मोनोक्रोम रंग स्पेक्ट्रम, यादृच्छिकता और बहु-पैनल संरचना की अंतहीन संभावनाओं की खोज की, इसे बनाया गया था।
लाल पीले नीले II में सात पैनल होते हैं। सेंट्रल ब्लैक पैनल एक डिवाइडिंग पैनल और हर तरफ तीन पैनल है। सिरों पर नीले पैनल केली की रचना पर जोर देते हैं। यह वह काम है जिसे उनके सबसे अच्छे कार्यों में से एक माना जाता है, साथ ही पेरिस में उनके प्रवास के दौरान सबसे बड़ा काम भी माना जाता है।
सोल लेविट, चित्रित दीवारें
सोल लेविट ने अपने करियर के 40 वर्षों में 1,350 दीवारों को चित्रित किया है, जिनमें से 3,500 दीवारों को 1,200 साइटों पर स्थापित किया गया है। डिजाइन पूरी तरह से अलग थे: काले स्लेट के साथ लागू सीधी धारियों से, बहु-रंगीन लहरदार रेखाओं, मोनोक्रोम ज्यामितीय आकृतियों और ऐक्रेलिक के साथ चित्रित उज्ज्वल रिक्त स्थान तक। लेखक ने रचनाकार के अपने हाथ के पारंपरिक महत्व को खारिज कर दिया, जिससे वह अपनी कला के काम के निर्माण में दूसरों की मदद कर सके। उनके दीवार चित्रों ने उनके द्वारा कब्जा किए गए रिक्त स्थान का रूप ले लिया, इसलिए उन्हें वास्तुकला और कला के क्षेत्र में अध्ययन के अधीन किया गया।
2007 में लेविट का निधन हो गया, लेकिन उनका काम जारी है, क्योंकि कलाकार की भावना उनमें अंतर्निहित है। आजकल, ऐसे कई कलाकार हैं जो उनकी दीवार पेंटिंग को फिर से बनाने से इनकार करते हैं, जिससे उन्हें दुनिया भर में दीवारों को सजाने की अनुमति मिलती है।
जुडी शिकागो, रेनबो पिकेट (1965)
रेनबो पिकेट एक कमरे के आकार का इंस्टालेशन है। इसमें छह ट्रेपेज़ॉइड होते हैं, जो रंग और लंबाई में भिन्न होते हैं। लॉस एंजिल्स (जनवरी 1966) में रॉल्फ नेल्सन गैलरी में पहली एकल प्रदर्शनी के अलावा, यह काम यहूदी संग्रहालय में मौलिक प्रदर्शनी "बेसिक स्ट्रक्चर्स" में दिखाया गया था।प्रसिद्ध आलोचक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने इस काम को इस क्षेत्र में सर्वश्रेष्ठ बताया। 2004 में, रेनबो पिकेट का पुनर्निर्माण किया गया था, और बाद में वस्तु LAMOCA की पहचान बन गई "न्यूनतम भविष्य? एक वस्तु के रूप में कला (1958-1968) "।
इस तरह के कार्यों का निर्माण करके, अपने स्वयं निर्मित स्थानिक पैटर्न और योजनाओं के साथ रंग की संभावनाओं का परीक्षण करके, जूडी शिकागो ने न्यूनतम शैली में एक नवप्रवर्तनक के रूप में प्रसिद्धि प्राप्त की।
डैन फ्लेविन, "अनटाइटल्ड (हेरोल्ड जोआचिम के बाद) 3" (1977)
"अनटाइटल्ड (हेरोल्ड जोआचिम के बाद) 3" डैन फ्लेविन की कई कृतियों में से एक है। इसमें एलईडी लैंप और मेटल क्लिप होते हैं। लेखक ने तीन दशकों तक फ्लोरोसेंट लाइट की संभावनाओं का अध्ययन किया, केवल व्यावसायिक रूप से उपलब्ध सामग्रियों के साथ अपना काम किया। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की अवधारणाओं को त्यागने के बाद, फ्लेविन ने ऐसे उपकरणों का उपयोग करना शुरू किया, और फिर इसे उच्च कला की दुनिया में पेश किया। पहली नज़र में, काम जितना संभव हो उतना आसान लगता है, लेकिन अगर आप बारीकी से देखते हैं, तो आपको काम की गहरी परिष्कार दिखाई देगी।
फ्लेविन की कृतियाँ उस स्थान से आगे जाती हैं जिसमें वे स्थित हैं, प्रकाश के खेल और विभिन्न रंग पट्टियों के लिए धन्यवाद। वस्तुएं दर्शकों को एल ई डी की गर्म चमक में स्नान करने की अनुमति देती हैं, जिससे एक विशिष्ट माहौल बनता है।
ईवा हेस्से, "एन नेमलेस वर्क (रोपिस के टुकड़े)" (1970)
ईवा हेस्से का जन्म जर्मनी में हुआ था। अब हम उन्हें लेटेक्स, फाइबरग्लास और प्लास्टिक के साथ काम करने में एक अभिनव अमेरिकी मूर्तिकार के रूप में जानते हैं। उन्होंने XX सदी के 60 के दशक में अतिसूक्ष्मवाद के बाद के विकास की नींव रखी। लेखक ने और भी बहुत कुछ के लिए चित्रों में उपयोग के लिए सबसे सरल सामग्री के गुणों की खोज की।
"द नेमलेस वर्क (पीस ऑफ रोप)" 1970 में बनाया गया था, जब हेस्से पहले से ही मौत के कगार पर थी, और अपने साथियों की मदद से इसे पूरा किया गया था। प्रदर्शनी रस्सी, मछली पकड़ने की रेखा और तार पर फैले लेटेक्स से बनी है और छत से निलंबित है। यह अंतरिक्ष में एक पेचीदा पैटर्न का अनुकरण करता है। हेस्से अतिसूक्ष्मवाद की पारंपरिक स्वच्छता से दूर चली गई है, लेकिन सामग्री प्रस्तुत करने के उसके तरीके शैली के भीतर माने जाते हैं।
डोनाल्ड जुड, शीर्षकहीन नौकरी (1980)
डोनाल्ड जड ने अतिसूक्ष्मवाद के साथ अपने संबंध का जोरदार खंडन किया। इसके बावजूद, वह इसके संस्थापक पिताओं में से एक हैं। बीसवीं शताब्दी के शुरुआती 60 के दशक में, लेखक ने यूरोपीय कलात्मक मूल्यों के लिए एक निश्चित शत्रुता की खोज की, इसलिए वह एक मूर्तिकार के काम से दूर चले गए और ऐसे कार्यों का निर्माण करना शुरू कर दिया जिन्हें कला के उपरोक्त किसी भी वर्ग के लिए जिम्मेदार नहीं ठहराया जा सकता था। उनके काम को न्यूयॉर्क में मेजर स्ट्रक्चर्स में भी प्रदर्शित किया गया है।
1980 के दशक में, जुड ने हैंगिंग, वर्टिकल अलमारियां बनाना शुरू किया। इसका एक उदाहरण "बिना शीर्षक के काम करना" (1980) है। अब तक, इस प्रकार के काम को पेंटिंग के लिए जिम्मेदार नहीं ठहराया जा सकता है। मूर्ति नहीं। काम 2 प्रकार की सामग्री से बना है: एल्यूमीनियम और प्लेक्सीग्लस। ऐसा इसलिए किया जाता है ताकि दर्शक कला की विरोधाभासी प्रकृति के बारे में सोचें: पक्ष से अपारदर्शी और जुनूनी आंकड़े सामने की जगह की गहराई से जुड़े हुए हैं।
हम देखने की सलाह देते हैं:
MINIMALISM को सामान्य रूप से समझना, हमें इसे संग्रहालयों में क्यों दिखाया जाता है। अतिसूक्ष्मवाद कैसे विकसित होने लगा और इसने हमारे जीवन को कैसे प्रभावित किया!
